CARTEL POR DÍAS
Horarios
FIESTAS DE PRESENTACIÓN
 
 
 
 
 
 
 
 

Viernes 14 de julio: Boadilla del Monte (Madrid)
Sábado 15 de julio: Parc del Fórum (Barcelona)

NEW ORDER - KEANE - PRIMAL SCREAM
THE CHEMICAL BROTHERS (DJ SET)
THE DANDY WARHOLS - THE DIVINE COMEDY
HAPPY MONDAYS - RUFUS WAINWRIGHT (solo)
STARSAILOR - RAZORLIGHT
BELL ORCHESTRE - BRAKES - THE CONCRETES- CUT COPY
THE FEELING - HOPE OF THE STATES - THE LONG BLONDES
MENDETZ - THE PADDINGTONS - TWO GALLANTS
DIRECTOR - SOULSAVERS
CAPTAIN – NATHAN DETROIT – GATO
 
 

Viernes 14 de julio: Parc del Fórum (Barcelona)
Sábado 15 de julio: Boadilla del Monte(Madrid)

MASSIVE ATTACK - DAFT PUNK
BELLE AND SEBASTIAN
SIGUR RÓS - FATBOY SLIM
ADAM GREEN - ASTRUD – JAMES MURPHY
THE CARDIGANS - MAXÏMO PARK
DIRTY PRETTY THINGS - SPARKS - SUPER FURRY ANIMALS
ÁLEX TORÍO - CLOVIS - DAVID KITT - MIDLAKE
MY LATEST NOVEL - MYSTERY JETS - SHOUT OUT LOUDS
THE SPINTO BAND - THE TWILIGHT SINGERS feat GREG DULLI
FILTHY DUKES - TRABANT
THE BOYFRIENDS - LARRY TEE - AMABLE
 
 

Y muchos más…
 
 
 
 

www.summercase.com





 
 

HORARIOS (BARCELONA):
 
 





    Summercase es un nuevo festival que tendrá lugar el 14 y 15 de julio simultáneamente en Boadilla del Monte (Madrid) y el Parc del Fórum (Barcelona). Un mismo cartel de 56 artistas para ambas ciudades, actuarán 28 artistas por día repartidos en los 4 escenarios con que contarán ambos recintos.
    Boadilla del Monte (Madrid) y el Fórum (Barcelona) se unen en un puente aéreo de buena música para acoger el nuevo festival : un mismo cartel, dos días de actuaciones y dos recintos.
    Los artistas que actuen el viernes 14 en Barcelona actuarán el sábado 15 en Madrid, y los que toquen el viernes 14 en Madrid se trasladarán a Barcelona el sábado 15 para actuar en la ciudad condal.
    En Boadilla del Monte (Madrid), Summercase tendrá lugar en un emplazamiento construido expresamente para la ocasión dentro del término municipal. El recinto del Fórum será la sede en la ciudad condal. En  ambos recintos  habrá cuatro  escenarios, dos exteriores y dos  ubicados en sendas carpas. Todo un acontecimiento musical de altos vuelos con los mejores conciertos de pop-rock independiente y con  la mejor música electrónica.
 
 

INFORMACIÓN BÁSICA

Summercase
Fechas: 14 y 15 de julio de 2006

Emplazamientos
Boadilla del Monte (Madrid) - Viñas Viejas
Parc del Fòrum (Barcelona)

Precio Abono
Precio de lanzamiento para las 2.500 primeras entradas para Summercase en Barcelona y 2.500 entradas para Summercase en Boadilla del Monte:
75 € (+gastos de distribución)

 Una vez vendidas  las 2.500 primeras entradas para cada ciudad ( 5.000 en total ) el precio del abono será:
85 € (+gastos de distribución) hasta el 14 de mayo

El precio a partir del 14 de mayo se informará próximamente a través de los canales habituales
 
 

Puntos de venta anticipada

TickTackTicket
www.ticktackticket.com
Telf. 902 150 025
Tiendas FNAC y tiendas tick tack ticket

 www.servicaixa.com
Red de Terminales  ServiCaixa
Oficinas Halcón Viajes
902.33.22.11









SUMMERCASE EN BOADILLA DEL MONTE
 Próximamente se detallará toda la información relativa a los accesos, medios de transporte, alojamientos e infraestructuras del recinto.

 Emplazamiento
El Festival tendrá lugar en el recinto de Viñas Viejas, en Boadilla del Monte, a 15 Km. del centro de Madrid. Con un área total superior a los 90.000 m2 es un lugar perfecto para un festival de las características de Summercase.

Más información: Ayuntamiento de Boadilla del Monte
C/ José Antonio, 42-44
Telf.91 634 93 00
www.aytoboadilla.com
 
 

Accesos  Carreteras:
Viario Metropolitano: unica red estatal: M-50
Red Autonómica Interurbana:
M-516: Hacia el Norte, Boadila-Majadahonda
M-501: Villaviciosa de Odón-Boadilla-Madrid
M-513: Brunete-Boadilla-Pozuelo
 
 

SUMMERCASE EN BARCELONA (Parc del Fòrum)

Más información
www.bcn.es

PARC DEL FÒRUM

Emplazamiento
Parc del Fòrum, Rambla Prim 2-4, 08019 Barcelona

Información Parc del Fòrum
El Fórum Universal de las Culturas de 2004 tuvo como epicentro un espacio de nueva construcción al lado del mar: el Parc del Fòrum. Sus 30 hectáreas de superficie, distribuidas en una plaza central que da la bienvenida a los visitantes, se han renovado desde entonces para continuar dando cabida a multitud de ofertas lúdicas y profesionales.
La operatividad y el acondicionamiento de todas las instalaciones en general y la promoción de edificios (el edificio Fòrum y el Centre de Convencions) como impulsores de actividades económicas, convierten al Parc del Fòrum en un recinto abierto a todo tipo de posibilidades.
Este espacio se ha convertido en un punto de referencia de grandes acontecimientos y de ocio, cuenta con una programación de exposiciones itinerantes y actividades, así como la exposición permanente ‘Barcelona Propera’, que muestra los proyectos urbanísticos y los procesos de transformación de la ciudad.
Abierto al deporte y a la cultura, y ubicado a los pies del mediterráneo, el recinto está perfectamente equipado y se encuentra en un lugar privilegiado para acoger cualquier acontecimiento. Su situación se integra en el casco urbano de la ciudad y se comunica perfectamente con el centro de Barcelona mediante transporte público. Las amplias superficies convierten al Parc del Fòrum en el lugar idóneo para acoger un evento de las características y dimensiones de Summercase.
 
 

INFORMACIÓN ARTISTAS
 

DAFT PUNK
www.daftpunk.com

Un antes, un después. Con mucho ruido de por medio. Guy-Manuel de Homem-Cristo y Thomas Bangalter cristalizaron las (des)ilusiones de toda una generación que ya no quería tener que escoger entre rock y techno, entre pasado y futuro, entre las series B y el arte con A mayúscula, entre el underground y el mainstream, el individualismo y la mundialización, entre lo analógico y lo digital. Una generación (¿la X de Douglas Coupland?) que cita tanto a Brian Wilson como a John Carpenter, que lee libros y se conecta a Google, y ha hecho de la contradicción su filosofía de vida. Con tan sólo veinte años, Daft Punk reventó moldes a golpe de beats, inventándose sobre la marcha una actitud para controlar el caos posmoderno en el que se ha convertido nuestra sociedad, y consiguieron imponer su visión a las leyes del capitalismo discográfico, con una refrescante mezcla de inocencia e ironía. Para mofarse del star-system, este par de punks no tan bobos como quieren aparentar se escondieron detrás de unas máscaras que evolucionarían en sofisticados robots en la época de su segundo álbum, “Discovery”.

Empezaron como Darlin’, banda efímera y circunstancial de punk-surf anecdótico para encontrarse de golpe en el ojo del huracán del movimiento rave, justo en medio de los noventa. Dentro de esta vorágine hicieron sus primeros deberes en casa, contactaron entre watios con el sello techno escocés Soma para el poker ganador ‘The New Wave/Alive’ y -sobre todo- ‘Da Funk/Rollin’ & Scratchin’’, verdadera deflagración que iba a desconcertar al planeta entero, dos años antes del “OK Computer” de Radiohead y del “Dig Your Own Hole” de The Chemical Brothers. Lógicamente, seguiría su paso a la multinacional Virgin y en 1997 entregarían un  “Homework” fabricado en su piso-estudio, artefacto máximo repleto de filtros sucios a medir en la escala de Richter, sensaciones cítricas y chirriantes colores complementarios, choque eléctrico de influencias variopintas (para una lista exhaustiva, reescuchar su ‘Teachers’). A todo ello hemos de añadir un impacto visual amorosamente confeccionado por una nueva generación de cineastas con argumentos (Roman Coppola, Michel Gondry, Spike Jonze o el manga-master Leiji Matsumoto) y una tipografía que resiste al paso del tiempo, declinada hasta la saciedad (bordada, de mercurio, de fuego, pixelada, luminosa, televisiva...)

Vuelven ahora con “Daft Punk Musique Vol 1 1993-2005” (Virgin), repaso necesario a la legión de hits de sus tres elepés, y con su esperada vuelta a los escenarios, en los que se suelen prodigar bien poco. El dúo tan sólo ofrecerá ocho conciertos around the world. Uno de ellos es para Summercase.
 

NEW ORDER
www.neworder.cc
www.neworderonline.com

 ¿Cómo resumir la historia de una de las bandas más importantes e influyentes de la historia en unas pocas líneas? ¿Empezamos por el principio, cuando en 1980 los componentes de Joy Division lograban resurgir de sus cenizas tras la trágica muerte de Ian Curtis y formaban una nueva banda, New Order? ¿Hablamos de Ibiza o de Manchester, de la Haçienda o de The Factory? ¿De todos los grupos a los que han influenciado? ¿De lo que sentimos la primera vez que los escuchamos? ¿De todas las veces que los hemos bailado? Buf, quizá lo mejor sea ceñirse a los fríos datos.

New Order fueron pioneros en unir el oscuro y emotivo sonido new wave con los ritmos de baile. Así lo justificó su debut, un “Movement” (81) gélido y aún anclado en el árido mundo de Joy Division, pero que contaba con un corazoncito que comenzaba a latir diferente. Desde entonces, las canciones pop no volvieron a ser iguales: las arquitecturas sonoras que facturaban y la simbiosis perfecta que consiguieron entre el metacrilato de la ola fría y la liviandad de las melodías del glam, marcaron un punto y aparte que daría lugar a una carrera que ya cumple un cuarto de siglo.

Una carrera regida desde las alturas por los picos marcados por el irresistible “Power, Corruption & Lies” (83), el elegante “Low-Life” (85) y el pluscuamperfecto “Technique” (89), con el que revolucionaron el balearic sound y alguna que otra escena más… Batieron récords con ‘Blue Monday’ (sigue siendo el maxi en vinilo más vendido de la historia), dieron la vuelta al mundo con el futbolero ‘World In Motion’, se desdoblaron en varios proyectos (Revenge, The Other Two,  Monaco, el súpergrupo Electronic) y… volvieron el año pasado con un orgulloso “Waiting For The Siren’s Call” y con una triunfal gira mundial. Morris, Sumner, Hook y Gilbert (sustituida últimamente por Cunningham) son, pues, una de las bandas más influyentes de las dos últimas décadas. Uno de esos grupos tan poco obvios, como The Smiths -con quien comparten una críptica melancolía-, del que cuesta adivinar las influencias (¿Kraftwerk?, ¿el acid house?), pero que no se olvida nunca.
 
 

KEANE
www.keanemusic.com

En 2004 tres chicos con cara de no haber roto nunca un plato y un álbum de debut para todos los públicos bajo el brazo, “Hopes And Fears”, se plantaron en lo alto de los charts y las listas de venta inundando nuestros oídos  con su hit ‘Somewhere Only We Know’. Pero su historia se remonta a 1997 en un instituto de Hastings donde formaron la banda, compuesta por Tom Chaplin (voz), Tim Rice-Oxley (piano) y Richard Hughes (batería). El guitarrista y cuarto componente del grupo, Dominic Scott, abandonó la formación en sus inicios, cosa que propició el particular sonido de Keane: piano y percusión son las bases que Chaplin utilizaría para entonar las canciones con las que estrenar el nuevo sonido.

En 2002, tras varios años de experimentar, Keane decidieron salir a tocar en directo. Cerraron dos conciertos acústicos, uno en el 12 Bar Club, y otro en el Betsey Trotwood. Simon Willians, del sello Fierce Panda les escuchó en este segundo bolo y les pidió que publicaran un single con su sello. Eligieron ‘Everybody’s Changing’, una oda arrasadora y majestuosa. Steve Lamacq decidió que era uno de los mejores singles en toda la historia de Fierce Panda, nada malo para un sello entre cuyos primeros lanzamientos estaban Coldplay, Idlewild y Supergrass. Lamacq declaró que Keane eran "algo entre unos desgastados Coldplay y unos The Beautiful South francamente desconcertantes".

Este 2006 regresan con su segundo disco “Under The Iron Sea”, producido por Andy Green y según todos los indicios, con un sonido mucho más duro que el de su anterior disco, creando distorsiones a partir del piano con pedales diseñados a tal efecto. La banda tiene previsto realizar un lanzamiento digital de su nuevo tema ‘Atlantic’ a mediados del próximo mes de abril y para el 29 de mayo se espera que se publique el que sería single de adelanto, ‘Is It Any Wonder?’. ¡Nosotros esperamos ansiosos ver el resultado en directo en Summercase!
 
 

THE CARDIGANS
www.cardigans.com

Peter Svensson y Magnus Sveningsson concibieron The Cardigans en 1992, en un pequeño pueblo sueco cuya mayor singularidad es la profusión de iglesias. Influenciados por el hard rock (por Black Sabbath, sobre todo), pronto ya eran cinco y no les costó mucho hacerse un hueco en la escena del país. Con su segundo y mejor álbum, el maravilloso “Life” (95), dieron el salto a la fama mundial de la mano de los singles ‘Carnival’ y ‘Rise & Shine’. ‘Lovefool’ sería su triunfal siguiente single, con el que visitarían las pantallas grandes (“Romeo Y Julieta” de Baz Luhrmann) y las pequeñas (apariciones en “Beverly Hills 90210”, ‘Deuce’ sonando en “Expediente X”…). Todo un triunfo. Más tarde, sus potentes melodías se desarrollarían circularmente en el excelente "Gran Turismo" (98), el disco con el que supimos que The Cardigans ya podían tutear a Saint Etienne, The Cranberries o Garbage.

El majestuoso “Long Day Before Night” (03) marcó un punto y aparte en su carrera. Desde entonces, tres miembros de la banda han sido padres y eso, claro, te cambia mucho. En su nuevo álbum “Super Extra Gravity” (06) han tornado hacia un nuevo sonido, espectacular y sin reglas. Como dice Svensson, guitarrista y compositor principal, “no seríamos The Cardigans si hiciésemos el mismo álbum de nuevo”. Tanto él como Nina Persson (quien escribe las canciones junto a su marido, el compositor de música para cine Nathan Larson) han asegurado que Pixies han sido un gran referente a la hora de conseguir un sonido más salvaje que predecible. Teniendo eso en cuenta y recordando su sólida presencia en directo, sólo nos queda esperar lo mejor de su visita a Summercase.
 

RUFUS WAINWRIGHT solo
www.rufuswainwright.com

El príncipe actual del pop no tiene rival en cotas de ambición, opulencia y glamour artístico. Hijo del cantautor Loudon Wainwright (con quien nunca se ha llevado muy bien), criado por su madre Kate McGarrigle en Canadá (también exquisita cantautora junto a su hermana Anne) y hermano de Martha Wainwright (cantautora de excepción, ¿cómo no?), Rufus ha despuntado en los últimos años como un sofisticado songwriter sin igual. Él casa como nadie los aromas clásicos de George Gershwin, Randy Newman y Al Jolson, con el expresionismo de Scott Walter y Kate Bush. Fan confeso de Edith Piaf y Jeff Buckley, amigo de Antony, Elton John y Teddy Thompson, Rufus se mueve como un pez satinado en las aguas de un Broadway hecho a su medida.

Nueva York fue precisamente la ciudad que le permitió grabar su primer álbum después de que su padre le pasara a Van Dyke Parks una de sus maquetas. Su sensacional debut homónimo llegó en 1998, pero Rufus llevaba estudiando piano desde los 6 años. Con el nuevo siglo, “Poses” (00) lo confirmó como un excepcional cantautor de belleza insuperable y sensibilidad a prueba de bomba (ironía, ego y exhibicionismo a corazón abierto, además de su orgullosa condición de icono gay, son las armas que fortalecen su status de artista al margen de todo).

En 2003 grabó las sesiones de “Want”, su proyecto más ambicioso -y doble- y el que más alegrías, y penas (Dreamworks se negó a publicar la segunda parte, teniendo que mudarse a Geffen), le ha dado. Bajo los fabulosos arreglos de Isobel Griffiths y Gavyn Wright (habituales de Björk) y la producción de Marius deVries, “Want One” (03) y “Want Two” (04) conforman su opus más elegíaco, un fresco desbordante de barrocas torch songs al límite y belleza armónica insuperable. En ellos, extractos de misas en latín, aromas del bolero de Ravel, orquestaciones paradisíacas, reggae de color de rosa y dos portadas complementarias que le muestran como caballero con espada y dama de Shalott violada y ahogada, refrendan su condición de artista total por encima de todo y de todos.
 
 

THE DANDY WARHOLS
www.dandywarhols.com

Quién no conozca a The Dandy Warhols a estas alturas de la película, mal va. Los conocimos como abanderados de  una campaña de telefonía móvil con uno de sus éxitos más reconocidos y reconocibles “Bohemiam Like You" atravesando un momento muy dulce de su carrera artística tras la publicación de su quinto álbum  en el pasado 2005 “Odditorium or Warlords of Mars” el cuarteto de Pórtland Oregón sigue generando mucha expectación en todos sus conciertos. Por ello David Bowie decidió que le telonearan su última gira.

The Dandy Warhols confeccionan un pop vibrante y son capaces de crear un sonido intransferible, rico e hipnótico, hecho que les ha convertido en una de las bandas preferidas del sector indie mundia

The Dandy Warhols son Courtney Taylor -voz y guitarra-, PeterHolmstrom -guitarra- Zia McCabe -teclados y bajo- y Eric Hedford -batería-desde 1995 están en pie de guerra dispuestos a demostrar que hacen la música que necesitan o como ellos dicen “ no consiste e tener lo que quieres, sino en querer lo que tienes”. Un buen leif motive.
 

THE TWILIGHT SINGERS feat GREG DULLI
www.thetwilightsingers.com

El que fuera cerebro de los electrificados The Afghan Whigs, Greg Dulli, formó The Twilight Singers como un proyecto en paralelo con su antigua banda aún en funcionamiento, pero estos ‘cantantes crepusculares’ se han acabado asentando como su principal preocupación. Sus dos primeros álbumes, “Twilight As Played By The Twilight Singers” (Sony, 00) y “Blackberry Belle” (One Little Indian, 03), conformaron el aura maldita de un Greg Dulli que con su rock ‘noir’ referencia el soul y el funk de los setenta. En sus historias habitan personajes que van y vienen como tratados por un cinematógrafo, explorando el lado oscuro de su propia existencia. En su cabeza, la idea de escribir para “exorcizar y comprender las sombras”, según sus propias palabras.

Hurgando en profundas heridas, las canciones de The Twilight Singers son confesionales, decadentes pero también vitalistas y hedonistas. El piano y las guitarras hablan de amores malditos y seductores cautivos, mientras se dejan salpicar por leves programaciones de ritmos. Así desgranan soul indulgente, trip-hop dramático, funky ansioso y r’n’b electrificado.

En “She Loves You” (One Little Indian, 04), Dulli se atrevía con un álbum enteramente de versiones en el que reinterpretaba alguno de sus temas preferidos como ‘Hyper-Ballad’ de Björk o ‘A Love Supreme’ de John Coltrane. Una afición por reinterpretar temas ajenos que le viene de lejos (ahí está la mítica versión que hiciera con The Afghan Whigs de ‘Can’t Get Enough Of Your Love, Babe’ de Barry White), por no hablar de los conciertos de The Twilight Singers en los que se atreve con bizarras versiones de, por ejemplo, Outkast, The Zombies o The Darkness.

En mayo de este 2006 saldrá a la venta el cuarto álbum de The Twilight Singers, “Powder Burns”. Trece temas propios embebidos por el espíritu de Nueva Orleans, pre y post Katrina. La ciudad en la que empezó y acabó de grabarse el disco y uno de los lugares que más le gustan a Greg Dulli en el mundo. Una ciudad tan decadente, hedonista y vitalista (a pesar de la adversidad) como la música de The Twilight Singers.
 
 

THE SPINTO BAND
www.spintoband.com

 The Spinto Band son uno de los descubrimientos del año. Ocurre tan sólo de vez en cuando, entre el magma de nuevas y viejas bandas aparece un disco capaz de sorprender y, lo que es más importante, conmover. El debut de The Spinto Band, “Nice And Nicely Done” (EMI, 06), es uno de esos discos. Lo pones en el reproductor y ya no puedes dejar de escucharlo. Lo hemos llamado debut, aunque en realidad es el octavo álbum de su carrera (ni cortos ni perezosos, antes de tener sello se autoeditaron siete elepés) y llega cuando ninguno de ellos tiene más de 23 años.

La banda la forman dos parejas de hermanos, Thomas y Sam Hughes, y Jeff y Joey Hobson, junto a sus compañeros de colegio Jon Eaton y Albert Birney. Más tarde se incorporaría Nick Krill, nieto del guitarrista Roy Spinto. Además de su habilidad como guitarrista y una voz capaz de recordar a David Byrne, Krill aportó a la banda una caja llena de letras de canciones que su abuelo había dejado escritas. Se bautizaron como The Spinto Band y empezaron a poner música a esas viejas letras. Con el tiempo acabarían dejando el legado de Mr. Spinto pero no de rendirle homenaje con el nombre de la banda.

Ocho años después de su formación, convertidos en sexteto tras la marcha de Albert Birney (quien sigue involucrado con el proyecto en el apartado audiovisual), con varios lanzamientos auto editados y pocos conciertos, The Spinto Band firmaban por Bare-None Records y publicaban “Nice And Nicely Done”. Un disco apabullante, hasta cierto punto comparable al también excelente álbum de debut de Clap Your Hands Say Yeah, que los ha puesto en el punto de mira de toda la intelligentsia musical. Un crítico avispado los situaba en algún lugar a medio camino entre Pavement, The Flaming Lips y Yo La Tengo. Nosotros no vamos a contradecirlo. Alegres y adictivos, el primer single del álbum, ‘Oh, Mandy’, es ya todo un himno. Una curiosidad, esta primavera están de gira por EE.UU. junto a otros adolescentes aventajados, Arctic Monkeys. Ellos se lo guisan…
 
 

TWO GALLANTS
www.twogallants.com

Con un par. Adam Stephens y Tyson Vogel, dos jovenzuelos de San Francisco, toman su nombre del ‘Dublineses’ de James Joyce para, como aquel, hablar sobre la condición humana. Y aunque editan en Saddle Creek, no les cuesta cargarse al responsable del sello, nada más y nada menos que Conor Oberst (Bright Eyes). Sus dos crudas entregas y también sus ardientes shows en directo  (auténticos arrebatos de quejío rock que tiran de espaldas) nos han noqueado a todos a una: el enfadado “What The Toll Tells” (06) y, sobre todo, el injustamente olvidado “The Throes” (04) demuestran que el añejo blues del Delta del Mississipi también puede ser exhumado desde la oscuridad y la furia. Si Devendra Banhart lo recupera con gracejo y muchas flores, ellos se lo sacan de las entrañas manchado de sangre.

Amargos y violentos, Two Gallants desgranan un country de latido punk (¿o folk de latido grunge?) con el que manejan la poesía eléctrica como Bob Dylan. Aborrecen las tendencias y lanzan líneas secantes hacia los estandartes más lejanos de la americana de raíces (John Fahey, Harry Smith), trazos tangentes hacia referentes más contemporáneos como The White Stripes o The Black Keys, y ángulos paralelos hacia los vértices de Nick Cave y Skip James (ambos habían hecho suya la tradicional ‘Crow Jane’ con la que ellos también se han atrevido). Two Gallants pueden con todo.
 

CUT COPY
www.cutcopy.net

 Obsesionado con el MOR -pop para maduros- de los setenta (Fleetwood Mac en especial), el australiano Dan Whitford comenzó con Cut Copy como un proyecto unipersonal con el que dar salida a su amor por el hip-hop instrumental. Pero la pista le llamó y su primer epé, ‘I Thought Of Numbers’ (01) ya apuntaba las coordenadas por las que se movería el futuro grupo. Se le unieron Tim Hoey y Mitchell Scout, para convertirse en un trío de testosterona bailable que casa a partes iguales post-punk, rock eléctrico, space pop y un french touch que le sienta más que bien. El año pasado su chispeante álbum de debut, “Bright Like Neon Love” -toda una declaración de intenciones desde su título-, se convertía en un arma arrojadiza de funk sintético dispuesta a conquistar kilómetros y kilómetros de clubs. Un percutante disco de dance alternativo, con músculo propio, que brilla como pocos de la mano de ‘Saturdays’, uno de los singles más revoltosos en los círculos modernistas más avispados.

Enseguida revolucionaron los charts de las radios inglesas FM y Radio One, y hoy ya se colocan como unos de los más aventajados ‘children of the revolution’. Sólo hay que atenerse a sus exitosas giras junto a Mylo, Bloc Party o Franz Ferdinand. Gracias a las guitarras de neón, sus macizos conciertos y su imagen reversible de chicos buenos-chicos malos, han conseguido que todos los adictos al indie-dance se rindan a sus pies después de desempolvar de las estanterías los gélidos álbumes de Zoot Woman, New Order, The Human League y Pet Shop Boys. The Killers y sus referenciales Daft Punk ya se han declarado fans a muerte. Sólo faltas tú.
 
 

HOPE OF THE STATES
www.hopeofthestates.com

 Hope Of The States son una muestra del mejor pop-rock melancólico actual. Con un ojo puesto en Mogwai y el otro en U2, son capaces de aunar la intensidad de los pasajes instrumentales en la mejor línea del post-rock con poderosas líneas melódicas. Además, su aportación política e intelectual se plasma en sus directos con proyecciones reivindicativas, que toman un papel fundamental.

Debutaron  en nuestro país con el single “Black Dollar Bills” (Seeker/ Sinnamon Records, 03), tres canciones repletas de recursos orquestales y oscuras composiciones con las que lograron llamar la atención de sellos de todo el mundo. Tras fichar por Sony, tuvimos la oportunidad de redescubrirles con  “The Red The White The Black The Blue” (Sony/ Sinnamon Records, 04), adelanto de lo que sería su álbum de debut, “The Lost Riots” (Sony/ Sinnamon Records), publicado ese mismo año. Un disco épico en cuyas influencias encontrábamos desde oscuras bandas de noise hasta  compositores de bandas sonoras.

Hope Of The States se formaron en Chichester (UK) en diciembre de 2000. Sam, Ant y Jimi eran amigos desde hacía años. Paul Wilson tocaba el bajo en la antigua banda de Sam y Simon Jones era un colega que lo que él mismo describe como “la escena de bebedores de Chichester”. El violinista Mike Siddell -reclutado a través de un pequeño anuncio -era el único extraño, pero pronto se convirtió en uno más de un grupo cuya fuerte unión los convierte en un clan, siguiendo esa tradición de “nosotros contra el mundo” de bandas como The Clash o The Who. En palabras de Sam, el sentimiento de estar en una banda es el de “saber que te tumbarías en mitad del tráfico por tus amigos”, un sentimiento que se hizo aun más fuerte al tener que enfrentarse a la trágica muerte de Jimi en enero de 2004. Hope Of The States han teloneado a artistas como Starsailor, The Polyphonic Spree o The Sleepy Jackson. En junio de este año saldrá a la venta su esperado segundo álbum, “Left”.
 
 

BRAKES
www.brakesbrakesbrakes.com

Brakes se forman en un bar de Brighton en agosto de 2002. Eamon Hamilton (The British Sea Power) había tocado en solitario como telonero de The Lonesome Organist y, tomando unas cervezas tras el concierto, Alex White y Tom White (The Electric Soft Parade) se ofrecieron a tocar la guitarra y la batería en sus temas. Los tres fueron a buscar a Marc Beatty (The Tenderfoot) a su estudio, Mokinbird, para convencerlo para que tocase el bajo con ellos. Así nacían Brakes.

Enseguida empezaron a tocar sobre todo en el Freebutt, una sala de Brighton con capacidad para unas 200 personas por la que han pasado bandas como Lift To Experience, The American Analog Set o Yeah Yeah Yeahs. En verano de 2004 TugBoat les ofreció sacar un single así que los chicos de Brakes se fueron el 20 de julio a los estudios Mokinbird de Brighton y grabaron tres temas en un día y medio: ‘Pick Up’, ‘Stand to Stand’ y ‘Cheney’. Una gira de un mes por Inglaterra, un video clip casero (grabado por Hammond, bajista de The British Sea Power, en el sótano de su casa) y a primeros de 2005 Rough Trade les ofrecía un contrato discográfico para grabar su primer álbum.

A finales de enero Brakes volvían a encerrarse en el estudio. Una vez más demostraron que lo suyo es rapidez. En cinco días habían grabado todos los temas, ni más ni menos que dieciséis, dos días más para la mezcla y dos semanas después el disco estaba masterizado y listo para ir a fábrica. Un disco de punk bailable, “Give Blood” (Rough Trade/ Sinnamon Records, 05), que es una auténtica fiesta.
 
 

DAVID KITT
www.davidkitt.com

A medio camino entre la radiografía sentimental y la exploración musical, las canciones de David Kitt pervierten el folk y el rock aunando sonidos acústicos y electrónicos. El aclamado cantautor irlandés siempre consigue sonar melancólicamente educado, dulcemente encantador, como un Beck muy pudoroso. Sus álbumes, salvando las distancias, suenan tan deliciosos y transparentes como los de Josh Rouse o Clem Snide. Así lo constatan los delicados mantras lo fi de “The Big Romance” (01), o el corazón pop de encantadores latidos que poblaba “Small Moments” (03) y “Square 1” (04).

Después de “The Black & Red Notebook” (Sinnamon Records, 05), aquella mina de talento en la que se atrevía a versionar a artistas tan dispares como Thin Lizzy, Sonic Youth, Ivor Cutler, JJ Cale o Toots & The Maytals, nos entregamos de por vida a David Kitt. La calidez de su propuesta musical (a modo de arqueología musical) se mezclaba con autorretratos sentimentales del modo más natural y sereno. Aquello fue una exhumación de tesoros escondidos, con la que dio la vuelta a sus canciones favoritas de la adolescencia y con la que se redescubrió como artista.

Ahora Kitt viene a presentarnos su esperado nuevo álbum, grabado en el estudio del legendario batería de The Band Levon Helm, por donde, se dice, pasaron a echarle una mano Emmylou Harris y The Magic Numbers.
 
 

CLOVIS
www.clovis.es

 Clovis son Fino Oyonarte y Cristina Plaza. Cristina es actriz, dj ocasional y mente inquieta vocacional. Fino es casi una institución dentro de la escena independiente. Bajista de Los Enemigos durante más de doce años, productor de algunos de los mejores discos de Los Planetas, Mercromina o Lagartija Nick, su historia está íntimamente ligada a la del mejor rock nacional. Clovis es, sin embargo, una formación de marcada cadencia pop. Algo que podría sorprender en un primer momento a aquellos que no conozcan cuales son las preferencias musicales de Fino y Cristina, Ivy, Yo La Tengo, Nada Surf, Luna, Mazzy Star o Guided By Voices

Hace ahora cinco años los dos decidieron ir a pasar unos días a Nueva York. Días que acabaron convirtiéndose en meses atrapados por la energía de la ciudad. Allí, casi como un juego, Cristina empezó a poner voz a las composiciones de Fino. Su amigo Matthew Caws de Nada Surf les animó a grabar aquellos primeros temas y les prestó su cuatro pistas analógico para hacerlo. Así, casi sin darse cuenta, nacía Clovis. Un nombre que los ligaría para siempre a la ciudad de los rascacielos pues lo tomaron de uno de sus lugares preferidos de Nueva York, la librería Clovis Press.

El año pasado, tras múltiples vicisitudes y dos eps publicados, salía por fin a la venta su esperadísimo álbum de debut, “Respira” (Sinnamon Records). Un disco producido por el propio Fino y en cuya grabación han contado con la colaboración de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas de Mercromina, Florent, Banin y Eric de Los Planetas, Javier Sánchez de la buena vida y Alfonso Pozo de Orlando, además de la inestimable colaboración de Juan Ferrari y Alfonso Pachés quienes acompañan en sus directos a Fino y Cristina desde sus inicios como banda. Canciones tan redondas como ‘Leche y galletas’ o ‘A miles de kilómetros’ en las que Fino y Cristina han podido por fin plasmar todo lo aprendido durante estos cinco años. Un disco optimista capaz de transmitir la necesidad de plantar cara a la adversidad y de creer en uno mismo para salir adelante.
 
 

ÁLEX TORÍO

Álex Torío pertenece a esa categoría de cantautores con mucho que decir que últimamente despunta más que nunca (Nacho Vegas, José Ignacio Lapido, Josele Santiago). Es una de nuestras voces más personales, que se aleja de la imagen de songwriter reivindicativo y se posiciona como un cronista de su tiempo capaz de ofrecer una mirada lúcida a su entorno.

Ex-profesor de matemáticas y líder de los desaparecidos Craab, Álex dio el salto al ruedo discográfico en 2003 con un primer álbum, “Last Year’s Man” (Sinnamon Records) que lo descubría como una voz melancólica y descarnada, aunque también tierna e irónica. Para su segundo y combativo trabajo, “Magic Wand Side Effects” (Sinnamon Records, 04), dibujó un álbum circular concebido como una reflexión sin moralismos entorno a los efectos de las drogas que inoculaba cierto espíritu desencantado heredado del grunge.

Siempre moviéndose entre el folk, el jazz y el rock (su admirado Robert Wyatt le guía en muchas de sus conquistas), ahora tenemos una nueva oportunidad de disfrutar de sus composiciones con su tercer disco “The Lame Fiancée” (Sinnamon Records, 06) un álbum-cuento sorprendente y encantado que se convierte en su mejor trabajo hasta la fecha. En él, Torío depura más que nunca su estilo y se arma de valor para casar mellotrones con sierras (!), en una odisea en la que le acompañan antiguos compañeros de Craab. Nocturno, marino, desarraigado y preñado de alcohol, “The Lame Fiancée” es la prueba idónea para los desconfiados y la entrañable recompensa para los que han creído en él desde un principio.
 
 

MENDETZ
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 Formados en Barcelona en 2003, Mendetz simbolizan a la perfección la nueva cultura underground que despunta en Madrid y Barcelona. Gran cantidad de bandas luchan por abrirse paso no ya con la necesidad de verse editados en un sello o de cosechar críticas en revistas especializadas, sino dejándose la piel sobre el escenario y dándose a conocer sobre las tablas, a ras de suelo, de bolo en bolo. Los instrumentos de los integrantes de Mendetz han crecido con la música del nuevo siglo, por eso las referencias a The Rapture, Franz Ferdinand o LCD Soundsystem pueden parecer demasiado modernas o snobs. Pero en realidad hay que rendirse ante este cuarteto y su sudoroso directo, cargado de electricidad. Mendetz nos hablan de sexo futuro entre arritmias post-punk, rock bailable y mantras rotundos a cargo de trémulos teclados (o ‘casio punk’ como ellos mismo lo bautizan). Además se atreven a meterle mano a la sagrada ‘Eleanor Rigby’ de The Beatles. Todo un descubrimiento.
 
 

BELLE AND SEBASTIAN
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A principios de los 90, Stuart Murdoch dejó Glasgow y se marchó a Londres en busca de su idolatrado Lawrence Hayward (líder de Felt). No le encontró, pero de vuelta en la Universidad comenzó a escribir canciones. En 1996, casi sin quererlo, formó su hoy exitosa banda, cuando sus compañeros del curso de música se le unieron para dar forma a "Tigermilk". Editado por el sello independiente Electric Money, su debut se convirtió en poco tiempo en un disco de culto irremplazable. A mayor gloria del entonces enaltecido twee-pop, Belle And Sebastian ficharon por Jeepster y publicaron aquel mismo año el sobresaliente "If You're Feeling Sinister", disco generacional con gafas de pasta que cimentó el estatus que ya habían alcanzado como banda delicada y tímida, a medio camino entre The Smiths, Orange Juice y Simon And Garfunkel.

Enseguida se dieron cuenta de que no podían plantarse a la primera, y de que su idea de grabar dos discos y disolverse iba a ser difícil de acometer. Recapacitaron y, claro, llegó entonces su período más sombrío y sobrio, con dos álbumes a menudo infravalorados pero con los que alcanzaron su cima expresiva: el inmaculado "The Boy With The Arab Strap" (mucho más dulce de lo que su título planteaba) y el magistral "Fold Your Hands Child, You Walk Like A Peasant", donde demostraban que su folk-pop podía conmover tanto como el de Love. Tanto, que hasta ellos lloraban cuando en los conciertos veían al público corear sus canciones. ¿Lo siguiente?, el fichaje por Rough Trade.

Después de firmar la banda sonora "Storytelling" para el escatológico Todd Solondz y de que Isobel Campbell, el icono del grupo, abandonara la formación en 2002, el punto y aparte llegaría con "Dear Catastrophe Waitress". Su quinto disco significó su expansión de miras; echaron la vista atrás hacia el soul y las melodías comenzaron a ascender como remolinos. Por encima de The Jesus And Mary Chain, Teenage Fanclub y Franz Ferdinand, en 2005 fueron votados por los lectores de una guía de entretenimiento como mejor banda escocesa de todos los tiempos. Y el glam es el que asoma ahora en 2006 en el atrevidísimo "The Life Pursuit", su disco más valiente (ojo a las aparentemente educadas letras) y para muchos el mejor de su carrera, del que ellos aseguran que les recuerda mucho a su primer álbum. El círculo se ha cerrado.
 
 

HAPPY MONDAYS

Reactivados de nuevo en el siglo XXI, Happy Mondays llegan a Summercase con su mezcla de psicodelia sixtie, funk de los setenta y dance ochentero, cuya influencia no ha parado de crecer desde que naciera el grupo. "Bummed" (1988) y, sobre todo, "Pills 'n' Thrills And Bellyaches" (1990) les convirtieron en una de las primeras bandas de rock en utilizar técnicas de hip-hop para confeccionar una música preñada de beats surrealistas. Con unos compañeros de generación que vivían casi tan deprisa como ellos (The Stone Roses, New Order, Inspiral Carpets, Primal Scream), estos bravos genios dibujaron un extasiado calidoscopio de neo-psicodelia y alucinaciones al que dieron forma con su irreverencia y sus escándalos pero, sobre todo, con sus canciones. El peso de su popularidad y creatividad inundó de tal forma el rock'n'roll británico de los noventa que The Chemical Brothers y Oasis no serían nada sin ellos, y hoy, la existencia de por ejemplo Kasabian, sería impensable.

Happy Mondays supieron rodearse a los mandos de manos maestras como John Cale (The Velvet Underground), Joe Strummer (The Clash), Paul Oakenfold, o Tina Weymouth y Chris Frantz (Talking Heads), pero el hedonista y nocturno espíritu del grupo siempre anidó en Shaun Ryder, un talentoso y surrealista 'dancewriter' que no se ruborizaba al mutilar y aprender canciones de otros artistas. Celebrando arrítmicamente la espiral de sexo, drogas, violencia y trabajos de mierda que les rodeaban, se evadían de la dopada realidad festejando un nuevo estilo de vida, excesos mediante. En resumen, de Manchester a Madchester.

Después de haber conseguido guiñar un ojo a la bizarra cultura pop, sus principales cabecillas formarían Black Grape, pero ese es otro viaje...
 

MASSIVE ATTACK
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 Auténticos pioneros de lo que se dio a conocer como sonido Bristol y más tarde como trip-hop, Massive Attack dieron alma a la electrónica con su sensual mezcla de hip hop, melodías soul, grooves dub y sampleados. Originariamente, la banda la formaron Robert Del Naja (aka 3D), Grant Marshall (Daddy G) y Andrew Vowles (aka Mushroom), todos ellos provenientes del colectivo artístico de Bristol The Wild Bunch. En 1991 publican su álbum de debut, "Blue Lines", con la colaboración en las voces de Nelle Hooper (Soul II Soul) y un por entonces desconocido Tricky. El álbum se convirtió inmediatamente en todo un clásico capaz de inspirar el nacimiento de  bandas como Portishead o Morcheeba. Quince años después de ese deslumbrante debut, Massive Attack continúan siendo un grupo de culto y un referente indiscutible dentro de la historia de la música electrónica. A lo largo de estos años la banda ha publicado tres álbumes más, "Protection" (1994), "Mezzanine" (1998) y "100th Window" (2001), en los que ha contado con colaboraciones como las de Sinead O'Connor, Tracey Horn (Everything But The Girl), Elisabeth Fraiser (Cocteau Twins) o la leyenda del reggae Horace Andy. En la actualidad, tras la marcha de Marshall y Vowles, Massive Attack lo forman, junto a Del Naja, el productor Neil Davidge y el ingeniero Alex Swift. En marzo de este año saldrá a la venta el primer grandes éxitos de la banda, "Collected", y en febrero de 2007 el que será su quinto álbum, "Weather Underground".
 
 

PRIMAL SCREAM
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Dos décadas desgañitándose. La banda liderada por el elástico Bobby Gillespie no escogió al azar su apelativo, sacado de la teoría psicoterapeútica del grito primal popularizada por Arthur Janov y que invita al paciente a chillar, llorar y pegar a fin de regresar de forma catártica al estado prenatal.

La banda se estrenó en septiembre 1987 con "Sonic Flower Groove", álbum bajo la influencia caleidoscópica de la psicodelia setentera (The Byrds a la cabeza). Fans de The Stooges, MC5 o Flamin' Groovies, no tardarían en endurecer su propuesta con "Primal Scream" (89) con el que se ganarían a pulso el título de banda de guitarras. Pero ya se cocinaba en su trastienda el sonido del futuro: Andy Weatherall remezclaba 'I'm Losing More Than I'll Ever Have', deconstruyendo el tema para darle una forma inaudita, a medio camino entre el indie y el acid-house. Astutamente, decidieron seguir esta pista ignota para pegarle un saludable electroshock a su concepto sónico y, de paso, revolucionar la historia del indie y encaminarla hacia una de sus más fructíferas eras, con Madchester a la cabeza.

Así nació "Screamadelica" ('91), glorioso icono de toda una generación ávida de beats, pills y riffs. Para "Give Out But Don't Give Up" (94) se integran al grupo Mani, bajista de The Stone Roses, y el inconmensurable Kevin Shields, sobreviviente de My Bloody Valentine. Más tarde el mismo Shields entregaría una monstruosa versión de 'If They Move, Kill'em' que se incluiría lógicamente en "XTRMNTR" (00), vehemente protest-album que combinaba el contenido político de sus letras con guitarras altamente inflamables y rítmicas perversas. La gira de este disco fue tan fenomenal como su éxito crítico-comercial: Primal Scream nunca habían sonado en un escenario tan intensos e incisivos, acumulando el caos de The Velvet Underground y el sudor de James Brown, la rabia de Sex Pistols y la sabiduría de Can. Dos años después, "Evil Heat" reflejaría las mil luces de su complejo cross-over musical, homenajeando tanto a Kraftwerk como a Lee Hazlewood, y con la participación de Kate Moss o de Jim Reid de The Jesus And Mary Chain, cerrando así la cadena de favores (Bobby Gillespie fue el batería de "Psychocandy").

El nuevo trabajo de la banda, "Riot City Blues", saldrá el próximo 5 de junio y se anuncia como un álbum de rock'n'roll visceral y anfetamínico. El grito sigue intactamente ensordecedor.
 

SIGUR  RÓS
www.sigur-ros.co.uk

 La música de Sigur Rós es absoluta, inquietante y claustrofóbica. Son ecos submarinos extraídos de su hábitat y enlatados en samples, teclados, violines, suaves percusiones y coros misales. Los islandeses llevan allí donde suena su música la atmósfera densa, húmeda y helada que cubre cada una de sus composiciones. Sonidos extenuantes, voces perforadas y una puesta en escena que hace que te de vueltas la cabeza. En 2005 han editado su cuarto trabajo de estudio: "takk" (EMI, 2005). Un álbum enorme e íntimo, orquestal y ligero, ricamente estructurado y esencialmente simple,  mucho más alegre que el anterior "()" (EMI, 2002). El nuevo trabajo toma su título de la palabra con la que despiden siempre los conciertos a través de los sistemas de proyección: takk..., es decir, gracias.

Sigur Rós dejaron atrás su gran isla para darse a conocer al mundo en el año 2000, aunque antes ya tenían en su haber seis años de carrera y dos discos. En 1994 tres adolescentes forman el grupo en Reykiavik (Islandia). Practican un estilo ambiental e intenso basado en gran medida en el dream pop. Tres años más tarde debutan con "Von" -esperanza-, a través de un sello local con exclusiva distribución en su país. La banda sorprende a crítica y público con un sonido deudor de Cocteau Twins en el tratamiento de las voces aunque personal en su mezcla de influencias. Al año siguiente editan un nuevo álbum "Recycle Bin" (1998), una colección de remezclas electrónicas de algunos temas de "Von", a cargo de artistas islandeses como Gus Gus o Biogen entre otros. Poco después, la banda se amplía a cuarteto con la incorporación de un teclista, para seguir dando forma a su próximo álbum.

"Ágætis Byrjun" aparece en 1999, esta vez con difusión internacional y una orquestación muy efectiva. La ingenuidad de "Von" deja paso a un tratamiento épico y conceptual de su música, que logra altas cotas de densidad emocional. Aunque para muchos es una obra de belleza marciana, para otros, se convierte en una prolongación del rock progresivo y la new age, con demasiado misticismo escandinavo y rarezas tales como la voz de soprano y la forma de tocar la guitarra -con un arco de violín- de Jonsi Thor Birgisson.

Sea como sea, en su país de origen, de tan sólo 280.000 habitantes, se mantuvieron durante varios meses en el número uno y vendieron 16.000 copias. Esto es: uno de cada 17 islandeses tiene en casa su segundo elepé, "Ágætis Byrjun".
 

FATBOY SLIM
www.fatboyslim.net

Y con él, la música de baile llegó a las masas. Festivo y mediático, Fatboy Slim, o lo que es lo mismo, Norman Cook, ha sabido como nadie traspasar las fronteras de los clubs y convertirse en una auténtica estrella del entretenimiento. Bajista de los míticos The Housemartins, al disolverse la banda empezó a interesarse por la electrónica escribiendo hits acid-house como miembro del trío Pizzaman o siendo pieza clave de conjuntos como Freakpower o Beats International. Todo ello antes de convertirse en uno de los productores de big beat más populares de los noventa, un reconocimiento internacional que alcanzaría en 1996 con su genial debut "Better Living Through Chemistry". Un disco que le convertiría junto a The Chemical Brothers en el auténtico abanderado de la música de baile para las masas y, junto a ellos, en nexo de unión entre la escena pop rock y la electrónica. Su mezcla de house, acid, funk, hip-hop, reggae, jungle, pop, electro y techno, le encumbró al podio mundial de la electrónica con su segundo álbum "You've Come A Long Way Baby".

"On The Floor At The Boutique", grabado en directo en una sesión de Brighton, contaba con colaboraciones de la talla de Jungle Brothers y Dj Tonka y se convertiría en 1998 en el punto de anclaje ideal para la espera de su tercer asalto oficial. El divertidísimo "Halfway Between The Gutter And The Stars" (2000) recogía toda una colección de samplers con unas intenciones más cercanas al house que al pop y al crossover. Otros dos directos publicados en 2002 le sirvieron para sentar las bases de sus futuras apariciones públicas. Su último trabajo publicado hasta la fecha, "Palookaville", es también su disco más arriesgado en el que incorporó bajos y guitarras reales influido por su reciente experiencia con Blur. Desde entonces, Cook se reparte entre los shows bizarros y los elegantes cocktails junto a 'la crème de la crème' del mundo VIP. Capaz de congregar a más de 360.000 personas en una de sus sesiones 'Big Beach Boutique' en Río el pasado año, la capacidad de convocatoria de Fatboy Slim sigue estando fuera de toda duda.

Fatboy Slim editará el mes de mayo un "Greatest Hits" con todos sus éxitos, que no son pocos.
 

THE CHEMICAL BROTHERS (DJ SET)
www.thechemicalbrothers.com

Hace más de 15 años, Tom Rowlands y Edward Simons pinchaban house en los locales de Manchester bajo el nombre de Dust Brothers. Poco a poco empezó a despegar su concepción del breakbeat, nuevo paso y lógica continuación de la conexión dance rock después del paréntesis eufórico de Manchester.

Cerrando el siglo, Fatboy Slim, Propellerheads, The Prodigy, Bentley Rhytm Ace, Leftfield y la totalidad de la escena jungle, se ocuparon de que el ritmo electrónico se cargara de insolencia punk, olfato pop e intensidad rock, a lo que nuestros protagonistas contribuyeron -y mucho-. La importancia del monumental "Exit Planet Dust" -en el 95, dos años antes de la deflagración "Homework" de Daft Punk- les certificaron como el dúo británico de música de baile por excelencia de los noventa, consiguiendo que un disco enteramente electrónico fuera todo un éxito crítico-comercial. Ellos inflaron el trip hop, propiciaron los flirteos entre rock y electrónica, propulsaron el acid a velocidad maquinal ("Surrender", 99) y casaron calculados juegos vocales con recursos impepinables descendientes de mil y una ramas estilísticas: garage punk, surf rock, ska, northern soul, brit pop, funk... Su música explota como un collage de retales old school que hoy se atreve con derivaciones urban, bhangra, raï y psicodélicas. Así lo remarcaba el potente "Push The Button" (EMI/ Virgin) con el que el año pasado volvían a la actualidad musical y para el que realizaron una mastodóntica gira planetaria.

En sus dj-sets suelen reflejar el caleidoscopio de sus innumerables influencias musicales, combinándolo con una amplia panoplia de beats furiosos y con su irreprochable técnica, cercana a la histeria del turntablism. Posmodernidad en estado puro.
 
 

ASTRUD
www.astrud.com

Inteligencia y accesibilidad se unen en este dúo capaz de combinar la electrónica con el pop más acústico y entregar desde baladas rompedoras hasta hits bailables. Formados a finales de los noventa, Astrud han sido desde siempre desconcertantes para muchos. Un grupo capaz de escribir grandes canciones sin perder el sentido del humor, de demostrar que se puede ser inteligente y a veces disfrutar siendo frívolo, que tiene muy claro que aunque 'todo da lo mismo' vale la pena currárselo. Tres discos de estudio, "Mi Fracaso Personal" (00), "Gran Fuerza" (01) y "Performance" (04), un recopilatorio de caras B y rarezas, "Algo Cambió" (06), varios epés y un montón de conciertos, han dejado claro que son mucho más que un simple divertimento. Aunque en un mundo tan gris ser un divertimento ya es mucho.

Imposibles de encasillar, Astrud son especialistas en hacer siempre lo último que se espera de ellos. Así, si hace unos años cualquiera hubiera descrito a Astrud como un dúo de pop en el que la batería era substituida por las bases electrónicas, está claro que esa definición ha dejado de ser acertada. Desde la grabación de "Performance" (Sinnamon Records, 04) Manolo y Genís han incorporado en sus directos a un batería, Enric Juncà, que se suma a la habitual presencia de Eduard Alarcón al bajo. Así, en formato de banda, Astrud tocaron el año pasado por las principales ciudades españolas en una extensa gira que los confirmó como uno de los grupos con mayor capacidad de convocatoria de la escena independiente nacional. En este 2006 Astrud regresaban a las tiendas de discos con un nuevo álbum, "Algo Cambió". Un disco de rarezas y caras B capaz de resumir la cara menos visible de sus casi diez años de historia como banda. Un álbum diferente al que ha seguido una gira también distinta por locales de pequeño aforo, en formato de trío, con batería, y centrándose en el repertorio de "Algo Cambió".

En Summercase, Astrud repasarán tanto los temas de su discografía 'oficial' como las joyas ocultas recogidas en "Algo Cambió". Con la banda al completo -¡aún se hace extraño decir algo así tratándose de Astrud!- un concierto único en el que las rarezas irán de la mano de los hits. Aunque, claro, tratándose de Astrud, nunca se sabe...
 
 

MAXÏMO PARK
www.maximopark.com

 Maxïmo Park llevan más de un año en la carretera. Desde que saliera a la venta su magnífico debut, "A Certain Trigger", no han parado de tocar por todo el mundo, cada vez en salas más grandes, ante audiencias mayores, pasando de banda revelación a banda consolidada en tan sólo un año. Sin duda, un periplo excepcional aunque eso no nos habría de extrañar: Maxïmo Park es todo menos un grupo convencional.  Una banda de rock a la que ficha el mejor sello de electrónica del mundo, Warp, tiene que ser especial. Según Steve Beckett, capo de Warp Records, Paul Smith, el carismático cantante y letrista de Maxïmo Park, le recordaba a Jarvis Cocker. No hay duda de que la sombra del dandy del proletariado inglés planea sobre varias de las composiciones del grupo. Aunque como con cualquier banda de éxito las comparaciones han sido infinitas ¿Pulp? ¿The Smiths? ¿The Strokes? ¿Franz Ferdinand? ¿Talking Heads? ¿Duran Duran? Maxïmo Park.

Los chicos de Maxïmo viven en Newscatle Upon Tyne, una pequeña ciudad del este de Inglaterra. Allí se conocieron Lukas Woller (teclados), Tom English (batería), Duncan Lloyd (guitarras), Archis Tiku (bajo) y Paul Smith. Curiosamente Paul, ex profesor de arte y, hasta entonces, líder de una banda instrumental, fue el último en incorporarse. En 2003 empezaron a tocar en pequeños clubs y se autoeditaron un 7". Un disco que, casualidades del destino, fue a parar a manos de Steve Beckett quien no dudó en ficharles para Warp, cada vez más abierto al pop y a las guitarras siempre, eso sí, que el grupo tenga algo nuevo e interesante que decir. Maxïmo Park lo tienen, literalmente, porque sus letras son sin duda uno de sus puntos fuertes. Canciones empapadas de realidad en las que demuestran que no hay nada más efectivo para tratar temas universales que hablar desde la experiencia personal. Y que llamar a las cosas por su nombre es mucho más honesto y emocionante que recurrir a metáforas grandilocuentes. En sus temas, Maxïmo Park demuestran, como hicieron The Smiths o Pulp en su día, que una canción pop puede ser también una radiografía social.
 
 

STARSAILOR
www.starsailor.net

 Este cuarteto del noroeste de Gran Bretaña (Chorley), bautizado con el nombre del maravilloso disco de Tim Buckley, "Starsailor", gira en torno al extraordinario talento compositivo de James Walsh.

En 2002 debutaron por todo lo alto con "Love Is Here" que les encumbró a lo más alto de los charts y consiguieron que crítica y público se rindieran por igual. Los meses previos a la grabación del disco fueron un frenético desfile de giras, éxitos y portadas de revistas para estos fans de Tim y Jeff Buckley, llegando a ser catalogados como la gran promesa por la prensa británica. Sus canciones eran historias de amor, esperanza y redención enmarcadas por la voz acrobática de James Walsh, combinando ingenuidad con una tremenda sofisticación.

Tras su segundo álbum "Silence Is Easy" (EMI, 03), que paso un tanto desapercibido en nuestro país, el pasado invierno de 2005 editaron su tercer disco, "On The Outside" (EMI) compuesto en Inglaterra y grabado en Los Ángeles con el productor Rob Schnapf (Beck, Elliott Smith). Un disco mucho más comprometido políticamente donde se tocan temas como las víctimas de guerra en Oriente Medio, el antisemitismo o el conflicto católico-protestante en Irlanda del Norte.

En el plano musical el grupo regresa a los orígenes de su debut con mayor presencia de coros y emociones más crudas e influencias más contemporáneas como la pureza de Rufus Wainwright y la actitud de Liam Gallagher. Este disco representa a unos Starsailor más maduros, que ya no están agobiados por las expectativas que sobre ellos lanzaron los críticos musicales cuatro años atrás. Afectación, clasicismo rockero a medio tiempo y buenas melodías cortadas por un mismo patrón dramático, vuelven a demostrar el talento compositivo de Walsh.
 
 

SUPER FURRY ANIMALS
www.superfurry.com

 Formados en Cardiff, Gales, en 1993, Super Furry Animals empezaron haciendo música electrónica aunque pronto incorporaron destellos de psicodelia y de rock progresivo a sus canciones. Tras dos años de giras y conciertos, firmaron con el sello independiente Ankor, y tras publicar dos epés cantados en galés, Alan McGee les reclutó para Creation después de verlos actuar en directo. Pronto despuntaron con el punk progresivo de su fabuloso debut "Fuzzy Logic" (96) y con el art-rock enfadado de "Guerrilla" (97). En ambos álbumes ya se dejaron influenciar por esos ramalazos electrónicos que han marcado su brillante carrera, con los que demuestran que combinan como nadie su amor por The Beach Boys y su fervor por Orbital.

Y es que si una palabra define a estos galeses súperpeludos, esa es 'eclecticismo'; también 'personalidad': Gruff Rhys (voz), Cian Ciaran (teclados), Dafydd Leuan 'Daf' (batería), Guto Pryce (bajo) y Huw Bunford 'Bunf' (guitarra), se encargan de que en sus contratos discográficos quede bien especificado que las fuerzas armadas británicas no tengan derecho al descuento habitual en la compra de discos. Bizarros, misteriosos y místicos, su verdadero opus discográfico llegaría en 2001 gracias a "Rings Around The World", con cameos de John Cale y Paul McCartney incluidos. Allí se daban cita intrincados arreglos, complejas melodías con gancho, juegos corales, letras surrealistas y una sensación de música infecciosa al estilo de los mejores The Who. Su séptimo disco, "Love Kraft" (Rough Trade/ Sinnamon Records, 05), mezclado en Río durante un lánguido verano, es su trabajo más optimista hasta la fecha y en el que todos los miembros del grupo han compuesto temas.

SFA ya son unos músicos veteranos y admirados, pero su música continúa siendo joven. Pop visionario, pop extraterrestre.
 
 

THE DIVINE COMEDY
www.thedivinecomedy.com

Cuando tenía 18 años Neil Hannon tenía una banda con dos amigos del instituto a la que decidieron llamar The Divine Comedy en honor a Dante. Ficharon por Setanta Records, dejaron Irlanda del Norte, se mudaron a Londres a vivir en un squat y publicaron un mini álbum inspirado en el sonido de bandas de guitarras como R.E.M. y Ride. Dos años más tarde la banda se disolvía, sus dos compañeros de fatigas se iban a la universidad y Hannon regresaba a casa de sus padres dispuesto a continuar con el proyecto en solitario. Allí pasó el siguiente año y medio, durmiendo de día y componiendo de noche. Dieciocho meses más tarde se publicaba “Liberation” (93), para Hannon el verdadero debut del grupo.

Desde entonces, The Divine Comedy no ha parado de editar discos refinados y sobresalientes. Su siguiente trabajo, “Promenade” (94) confirmó las excelentes críticas de su primer lanzamiento y propició la formación de una audiencia más numerosa y definida, pero fue con su aclamado tercer álbum, “Casanova” (96), con el que se convirtió en un de las formaciones más reputadas de los noventa, llegando a alcanzar ventas de escándalo. Por aquel entonces, The Divine Comedy fue como un elegante balón de oxígeno en medio de la maraña brit-pop que protagonizaban Blur, Oasis o Suede. Dulcemente irónico, Hannon ponía al día las melodías operísticas de Jacques Brel con un ampuloso romanticismo heredero del mejor Scott Walker que le llevaba, por ejemplo, a entregar su próximo disco el día de San Valentín de 1997. “A Short Album About Love” confirmaba la genialidad de Hannon a la hora de facturar estilizadas y atemporales viñetas poéticas y se convertía en su mayor éxito de ventas, además de suponer la transición hacia “Regeneration” (01), una obra producida por el habilidoso Nigel Godrich y que significaría la despedida de los siete miembros oficiales que se habían unido a la banda.

 “Absent Friends” (EMI, 04) supuso un regreso por todo lo alto a las majestuosas formas de antaño. En él, Neil Hannon colaboraba de nuevo con Nigel Godrich y se rodeaba de personalidades musicales como el genio Yann Tiersen. Dos años más tarde Hannon regresa por partida doble con un nuevo álbum (“Victory For The Comic Muse”) y como uno de los compositores que han colaborado en el esperado regreso de Jane Barkin. Romántico, irónico, elegante, inteligente… más que un personaje de la comedia de Dante, Hannon parece sacado de una novela de Austen. Un buen partido.
 
 

BELL ORCHESTRE
www.bellorchestre.com

 Probablemente el nombre de Bell Orchestre no te diga mucho todavía. Aunque si te decimos que entre sus miembros se encuentran dos de los componentes de Arcade Fire, Richard Reed Perry y Sarah Neufeld, puede que la cosa cambie un poco, ¿no? Su álbum de debut, "Recording a Tape the Colour of the Sky" (Rough Trade/ Sinnamon Records, 05) es un disco instrumental que busca la emoción a través de la experimentación y que bebe tanto de la música de cámara como del post rock, del jazz o de la electrónica.

Bell Orchestre se gestó en una vieja escuela de baile del centro de Montreal. Allí, Richard y Sarah empezaron a crear una música tan armoniosa y discordante como la de los pasos de los bailarines cruzándose y entrechocando en la enorme sala de baile. Durante dos años pusieron música a la danza, música que nacía, se alimentaba y crecía a partir del movimiento de los bailarines. Poco a poco el proyecto musical fue tomando fuerza hasta tener entidad propia más allá del contexto. Nacía así Bell Orchestre, ya desligado como grupo de la danza pero manteniendo la capacidad de evocar la fuerza de los cuerpos en movimiento. Y es que la música de Bell Orchestre, como la danza contemporánea, usa la técnica para llegar a la libertad expresiva y no busca el virtuosismo como un fin en sí mismo sino tan sólo como una herramienta para transmitir emociones. Una banda instrumental cuya música no está pensada para acompañar imágenes sino para sugerirlas.
 
 

CLOR
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Una banda de rock como las de antes pero sin caer en ninguno de los errores de ninguno de los revivals; así son Clor. Con un sonido entre lo primitivo y lo futurista, o como si mezclaras la histeria de Queen o Sparks, con el meta-pop de Devo y XTC, este quinteto del sur de Londres ha despertado mil y una voces que claman por sus huesos. Y es que a estos chicos de Brixton, sólo les bastaron seis bolos para fichar por Parlophone, aunque con canciones tan bailables como 'Good Stuff', 'Love + Pain', 'Outlines' o 'Magic Touch', nadie se asombra de ello. Sobre todo, después de que por aquí ya se haya constatado que, en directo, y aunque te parezca una horterada, se convierten en todo un triunfo dance/progresivo.

"Welcome Music Lovers" fue su tarjeta de presentación, un ep que ya anunciaba la pegada de un grupo en estado de gracia creativa. Su oficial puesta de largo, "Clor" (que parece un 'Greatest Hits'), ha hecho estragos en las discotecas más estrafalarias y en las habitaciones de los más avanzados oyentes. Rebotes electrónicos, falsetes en sintonía con la más chillona new-wave y letras sobre corazones de laboratorio. Todo cabe en el imaginario de un grupo sin igual que suena fresco, urgente y eléctricamente divertido
 
 

MY LATEST NOVEL
www.mylatestnovel.com

Tal y como su nombre lo indica, My Latest Novel es una banda eminentemente literaria cuyo universo particular se puede asemejar al de sus compatriotas Belle And Sebastian, a los que se les suele inevitablemente comparar. Pero ellos prefieren citar a Low, The Pastels o Mogwai, y escuchan incesantemente a oscuras bandas de northern soul o de garage de los sesenta. Su pop de orfebres es luminoso y efervescente, como una suerte de folk-rock cubista. En sus composiciones siempre privilegian la complejidad de la estructura, y la presencia de violines y xilófonos enriquece la textura de sus temas. Sutilmente barrocos, frágiles pero fuertes, épicos y melancólicos, con la bohemia como máxima filosofía musical, pueden pasar de la melancolía de (Smog) al caos controlado de The Velvet Underground sin perder un ápice de su frescura. Además, han curtido sus directos teloneando a sus ídolos (nada menos que Pixies les han dado los honores, además de Arab Strap), consiguiendo un show tan humilde como espectacular.

Chris (voz), Gary Deveney (guitarra), Laura McFarlane (violín), Ryan King (batería) y Paul McGeachy (guitarra) publicaban el año pasado 'Sister Sneaker Sister Soul' (Bella Union), un epé de cinco temas que ha encendido todas las sirenas de alarma de la prensa británica, que parece haber encontrado en ellos a los Arcade Fire de este lado del gran charco. Su prodigioso debut, "Wolves" (Bella Union/ Sinnamon Records) acaba de llegar y equipara en su contenido la rotunda fuerza y belleza que conjugan en sus directos. Además, es como su primera novela y seguro que tienes muchas ganas de leer.
 
 

MYSTERY JETS
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Blaine y su amigo William comenzaron a tocar los instrumentos que el padre del primero, Henry, les compraba cuando tenían ocho añitos. Con el tiempo todo acabó cristalizando en una banda, pero aún no tenían batería y empezaron a experimentar con cacerolas y pucheros. Hoy, los cencerros dominan el extenuado remix de 'ZOOzooTIMEtime' que les ha producido Erol Alkan y Mystery Jets son los representantes de la ultimísima generación de bandas inglesas de las que ahora empezamos a oír hablar. Llegan desde Twickenham (Londres) y son un grupo muy curioso: además de coincidir padre e hijo en su formación, pasan por ser la respuesta arty, casi progresiva y extrañamente bailable de la nueva hornada neo-rock.

El NME, como casi siempre, ha sido el primero en echarles el ojo, y los ha escogido como protagonistas del tour anual que organiza. En él, comparten cartel con nada más y nada menos que Maxïmo Park, Arctic Monkeys y We Are Scientists. Su esperado álbum de debut, "Making Dens", llegará el 6 de marzo pero ya podemos respirar aliviados con el descacharrado pero magnífico single de presentación 'The Boy Who Ran Away', donde invocan a Frank Zappa, The Smiths y a los primeros The Fall. Tan atonales pero expresivos como The Clean, Mystery Jets cuentan con un componente freak que les otorga una autenticidad a la que muchos solamente aspiran.

Un misterio encantador.
 
 

SHOUT OUT LOUDS
www.shoutoutlouds.com

¿Cómo suenan Shout Out Louds? Adam dice que les gusta introducir el caos en canciones pop. Su folk moderno, se acerca al sonido de grupos como The Concretes y The Legends. Sus canciones tampoco ocultan las azucaradas melodías del pop escandinavo. No les importa sonar románticos si también suenan siniestros y aseguran que tienen más composiciones en la guantera de las que ni siquiera ellos imaginan. Dejándose llevar por el corazón y la sensibilidad han construido un grupo de pop con visos de hacerse enorme.

Shout Out Louds se formaron en 2001 en Estocolmo, cuando algunos de sus actuales miembros no sabían ni tocar los instrumentos. Eran, y son, cinco amigos que amaban los mismos discos así que ¿por qué no montar una banda? Primero se llamaron Luca Brasi, hasta que descubrieron que otro grupo ya les había quitado el nombre. Se lo cambiaron por Shout Out Louds y escribieron tres canciones. Se animaron a tocarlas delante de la gente y tuvieron que grabarlas. Y entonces les fichó un sello sueco, así que tuvieron que escribir más. El caso es que en 2002, uno de sus temas apareció en la revista sueca Solnic, para convertirse en el más solicitado de todas las ediciones de dicho magazine indie pop. Ellos comenzaron a dar bolos por toda Escandinavia y luego por Londres. De repente se dieron cuenta de que Nueva York era una muy buena ciudad para tocar, así que allí fueron. Y luego se desviaron a Los Angeles. Cuando se encontraban en la ciudad más grande de California, se enteraron de que les había fichado una gran multinacional y lo celebraron bañándose en el Océano Pacífico.
 
 

THE CONCRETES
www.theconcretes.com

El 31 de diciembre de 2004 Saint Etienne ofrecieron un concierto en Londres junto a The Magic Numbers y The Concretes. ¿Se te ocurre mejor forma de despedir un año? La elegancia festiva de Saint Etienne, la infecciosa alegría de The Magic Numbers y la magia de The Concretes.

Formados en 1995 en Estocolmo, The Concretes empezaron siendo un trío y acabaron convirtiéndose en un colectivo de ocho músicos capaces de aunar sus distintos gustos en un proyecto común. Tal vez por ello sus canciones, más pop que rock, son difíciles de clasificar en un solo estilo. Belle And Sebastian, Mazzy Star, The Velvet Underground, la música de la Motown, The Jesus And Mary Chain... probablemente encuentres ecos de todos ellos en la música de The Concretes, pero también algo de la desolación de un cuadro de Hopper, de la magia de un cuento de Andersen, de los parajes helados de su Suecia natal.  En el año 2000 editaban su primer larga duración, "Boy, You Better Run Now", que venía a ser una suma de sus dos primeros Eps (lacónicamente titulados EP#1 y EP#2) y que tuvo escasa distribución. Cuatros años y varios singles y Eps más tarde editaban un segundo álbum de título homónimo que supuso su verdadera puesta de largo. Conducidos por la personal voz de Victoria Bergsman, The Concretes sumaban a su ya numerosa formación un quinteto de cuerda y un arpa. Un más difícil todavía del que salían más que airosos demostrando que es ahí donde radica su magia, en hacer que lo difícil parezca sencillo.

En 2005 salía a la venta "Layyourbattleaxedown", un recopilatorio en el que se incluían todos los temas compuestos en esos cuatro años de intervalo entre sus dos álbumes. Un jugoso entretenimiento a la espera de su tercer álbum de estudio, "Concretes In Colour", previsto para este 2006.
 
 

THE FEELING
www.thefeeling.com

Después de tocar durante un tiempo en los Alpes y especializarse como banda de versiones, The Feeling han decidido dar el salto y atacar su propio repertorio. Su debut llegará en 2006 y la verdad es que hay muchas ganas de comprobar cómo suena un grupo que hace alarde de haber revitalizado el soft-rock. Sí, no te avergüences si te gustan Supertramp, The Carpenters, The Raspberries, Queen o Fleetwood Mac; estos cinco veinteañeros van a demostrarte que no tienes porqué. Sus guitarras eléctricas, los riffs pop que inundan sus canciones y las alegres armonías, lo dicen todo: aquí no hay trampa ni cartón. Amantes de lo progresivo y lo épico, aseguran que con sus canciones intentan provocar profundos traumas mentales en el oyente. ¿Vuelven los 70?
 
 

THE LONG BLONDES
www.thelongblondes.co.uk

The Long Blondes son de Sheffield (sí, la ciudad estrella de ABC, Pulp, Cabaret Voltaire, Arctic Monkeys...) y dicen que no escuchan ni a The Beatles ni a The Rolling Stones, ni a Bob Dylan ni a Jimi Hendrix, sino que, simplemente, un día escogieron un instrumento cada uno y aprendieron a tocarlo. Estos dos dandys (Dorian y Screech) y tres pin-ups (Emma, Kate y Reenie) se vanaglorian de regirse por la misma estética que lucían los primeros Roxy Music y aseguran que sólo se conocían de vista hasta que una tarde los cinco se enamoraron mutuamente. ¿Te lo crees?

Comandados por la espectacular Kate (para algunos la Katherine Hepburn del indie pop), llevan el ritmo reventón y los estribillos cool en las venas (veáse 'I love a man in uniform') y facturan joyas punk-pop que recuerdan a Blondie, a toda la new wave en general (Delta 5, The Go-Go's...), al nervio de Gang Of Four y al pop de los cincuenta. Pero dejémosles hablar de influencias, porque la sueltan clara y concisa: "Estamos influenciados por muchas cosas. A veces sonamos un poco a nuestras influencias, a veces sonamos igual que nuestras influencias, y a veces no sonamos para nada como ellas". Por ahora sólo han editado cuatro siete pulgadas de portadas maravillosas con sabor a pop retro y guiños a '"Vértigo" (Hitchcock), pero la alarma ha saltado y muchos ya saben que su fresquísimo pop vale quilates. Además, suenan cálidos, nunca sobreproducidos, y la fuerza de sus directos se contagia, no como la de todas esas bandas que se desmoronan delante de ti cuando las ves en directo. Los que ya los han visto actuar dicen que cuando se suben al escenario ya no puedes apartar la vista de ellos.
 
 

THE PADDINGTONS
www.thepaddingtons.net

The Paddingtons representan a la perfección lo que debería ser el punk contemporáneo. Un punk que suena como el de los primeros setenta, pero aderezado con el requisito trendy de los grupos que están revitalizando el sonido del London underground. Su pop descosido y su espíritu delincuente, mezclados con todas esas gemas anfetamínicas con las que cuentan, los convierten en la sensación más excitante que ha surgido del East Yorkshire desde que brotaran The Housemartins. Seguramente al igual que aquel primer grupo de Fatboy Slim, The Paddingtons versionaban a The Beatles cuando empezaron a tocar, aunque cuando debutaran en 2002 nadie lo juraría: sus exitosos singles, en los que los versos arden en la boca del cantante y la frustración se confunde con el rabioso lamento a una velocidad estrepitosa, delatan una vena más salvaje. Su primer álbum, "First Comes First" llegaba el pasado Halloween para confirmar ese regusto hard.

¿Más pistas? Su disco de debut lo han grabado junto a Owen Morris, el productor del 'Definitely Maybe' de Oasis. Han sido los teloneros de los esperadísimos Babyshambles de Pete Doherty y Bez, de Happy Mondays, es todo un fan declarado. Comparten sello con The Others y The Hives (Poptones, la casa de Alan McGee) y al escucharlos, las piernas se van solas, como con el proto-punk de los australianos The Saints. Ellos nombran como influencias bandas de hardcore americanas como Black Flag, Minutemen y The Wipers, pero también heredan las líneas de bajo de The Clash y, sí, Public Image Ltd.. Son peligrosos y psicóticos. Cuidado con estos.
 
 

MIDLAKE

Desde Denton (Texas) llegan Tim Smith (voz), Eric Nichelson (guitarra), Eric Pulido (guitarra), Paul Alexander (bajo), y McKenzie Smith (batería), o, lo que es lo mismo, Midlake. Jóvenes, románticos y unos apasionados de la música, Midlake combinan a la perfección la electrónica más excéntrica con los sonidos más orgánicos, terrenales y tradicionales. Sus influencias van desde Doves hasta Clinic y ya se les compara con grandes como Grandaddy o The Flaming Lips (junto a los que han tocado en la pasada edición del macro festival de la industria South by Southwest y en el Noise Pop en San Francisco). Pero los chicos de Midlake han sabido crear su propio universo. Un mundo entre naïf y alucinado que los une con toda la tradición más imaginativa (¿psicodélica?) de la música pop.

En 2004 debutaban con “Bamnan And Silvercork” en el siempre exquisito sello Bella Union. Un disco con el que consiguieron una amplia base de fans entre los que se encuentra el actor Jason Lee, quien se ha convertido en uno de sus mejores abanderados llegando incluso a dirigir el vídeo del tema ‘Balloon Maker’. En junio de este 2006 saldrá a la venta su segundo álbum, “The Trials Of Van Occupanther”, un trabajo con el que ya han logrado levantar una gran expectación y que, según sus propias palabras, está más influenciado por el folk rock de los setenta con una menor presencia de los recursos electrónicos. En Summercase podremos comprobarlo.
 
 

SPARKS
www.allsparks.com

Con un impresionante currículo de 20 álbumes en 35 años de carrera, Ron y Russell Mael han creado una obra que recoge las complejidades de la ‘comedia humana’, parafraseando a Balzac. Absolutamente inclasificable e imprevisible, su art-pop superlativo y multidireccional se suele comparar a la Yellow Magic Orchestra, a David Bowie, a los Talking Heads o a los Pet Shop Boys, sin que ninguno de ellos llegue sin embargo a alcanzar su grado de acidez, su agudo sentido del happening, su luminosa irreverencia, su finísima ironía camp. Quizás tendríamos que rebuscar en el nonsense de los Monty Pythons o en la causticidad de Warhol, pero esa es otra historia.

Con un talento para el name-dropping digno de las páginas más ácidas de Brett Easton Ellis, su obra juega con Sherlock Holmes, Kant, James Brown, Clark Gable, Charlie Parker, Beethoven, Scheherazade, Scarlett O’Hara, Tarzán, King Kong y Jane. Pasan por el turmix de sus inquietudes y de su sincretismo despilfarrador las obsesiones de la sociedad capitalista, haciendo de la procrastinación (esa enfermedad sintomática del ser humano moderno) un arte, y experimentando con la música de cámara, el techno, el jazz, el rap o lo que se les ponga por delante (o detrás). Así se adelantaron a la new wave o al synth pop (“Kimono My House”, su tercer elepé ¡data de 1974!), se apropiaron el glam y el disco (colaborando a finales de los setenta con Giorgio Moroder para el increíble “No. 1 In Heaven”), y estuvieron a punto de colaborar con Jacques Tati, quien declaró que era su banda favorita, tal y como lo acaban de hacer Franz Ferdinand. Menudo puente transgeneracional y pluridisciplinar…
 
 

Fiestas de Presentación:


Summercase calienta motores y nos ofrece una serie de fiestas que llevarán el espíritu del festival por algunas de las mejores salas del país. Una oportunidad para disfrutar desde ya con lo mejor de la música independiente de la mano de algunos de los mejores djs de nuestra escena.
En las fiestas de presentación de Summercase podrás comprar tu entrada para el festival, ser el primero en hacerte con merchandising de regalo y participar en el sorteo de abonos.
¡Las mejores fiestas para ir abriendo boca ante la que será una de las grandes citas musicales del verano: Summercase!
Viernes 5 de mayo
Club Pulp – Zaragoza
C/General Sueiro 46 local
Amable

Viernes 12 de mayo
Low Club - Madrid
Plaza de los Monteses, 11
Loud (live 1.00h)/Dearstereofan + Pin&pon djs + gato
www.intromusica.com

Sábado 20 de mayo
Club Fever – Bilbao
Polígono Industrial Santa Ana c/ Telleria 27 (Bolueta Bilbao)
Pink Fever: Dj Madel (Fever) + Unai Nº6 (The Dj's)
Gold Fever: Gato (Razzmatazz) + Kinki (Fever)
Black Fever: ill Bill + Q.Unique (New York)
Blue Fever: Arne O. (Fever) Autosound (Fever)
www.fever.es

Viernes 26 de mayo
Razzmatazz Clubs – Barcelona
c/Almogàvers 122
Mystery Jets + IDC + Gato
www.salarazzmatazz.com

Viernes 26 de mayo
Club Badulake – Ourense
C/ Santo Domingo 10
Amable
www.badulakestorm.com
www.fotolog.com/badulakestorm

Sábado 27 de mayo
Café & Pop Torgal - Ourense
C/ Celso Emilio Ferreiro nº20 bajo
Anniehall dj's + Espinosa Freak Dj
www.cafepoptorgal.com

Viernes 2 de junio
Singular – Pamplona
Edificio Singulas, Avda. Pío XII, 1 bajo
Amable & DjPoMMe-Lux€
www.fotolog.com/singular_club

Viernes 30 de junio
Stereo “Beach Club” – La Manga
Autovía a La Manga, Km 2, Complejo Trips
Amable + Dj 13 años + Mr. Pooh
www.salastereo.com

Sábado 1 de julio
Sala Stereo - Alicante
C/ Pintor Velásquez, 5
Dj 13 años + Mr Pooh
www.xllleida.com

Viernes 7 de julio
XL Lleida - Lleida
C/ Sant Martí, 57
Dj Manel López
www.salastereo.com

Viernes 7 de julio
El cau - Tarragona
C/ Trinquet vell, 2
Amable
www.elcau.net